Aunque su nombre traducido al español sea “películas
francesas”, French Films es una banda de rock finlandesa.
Finlandia es conocida, musicalmente hablando, por el heavy metal
(en todas sus variantes), que es considerado el mejor del mundo. Pero French
Films le da un toque diferente a la música de este país. Con un espíritu
festivo y desenfadado y en general el buen rollo que transmiten sus canciones,
la fama de French Films crece progresivamente en Europa, sobre todo desde que
actuaron en el festival Flow de Finlandia en 2011 (menos de 1 año después de su
formación).
Su primer EP “Golden Sea” tuvo un gran éxito y recibió
críticas muy buenas por parte de expertos que les calificaron como una de las
bandas más prometedoras de Finlandia.
Lanzaron su primer álbum en 2011, “Imaginary Future” y el
segundo en 2013, “White Orchid”.
Sus canciones, que recuerdan al rock británico
de finales de los 70 y el surf rock estadounidense de los 60, ya se están
empezando a escuchar por todo el mundo tras haber hecho giras por Europa (actuaron en España en 2012), EEUU
y Japón.
Aquí os dejo dos de sus temas: "Convict" del primer disco y "Juveniles" del segundo.
El pasado 7 de noviembre nos dejó el gran músico y poeta
canadiense Leonard Cohen, famoso sobre todo por su “Hallelujah”. Esta canción,
perteneciente al álbum “Various positions” de 1984 se ha convertido en una de
las canciones más versionadas de la historia. Curiosamente en los primeros años
no tuvo éxito, pero gracias a las versiones de otros artistas, fue ganando
fama.
La letra menciona historias bíblicas pero su significado no
es religioso. Cohen simplemente las utiliza como metáforas para crear el
verdadero significado de la canción que trata del amor como fuente de felicidad
y de sufrimiento.
El primero en versionarla fue John Cale en 1991, quien
conservó la música pero modificó algunos fragmentos de la letra. La canción
formaba parte del disco “I’m your fan”, tributo a Cohen. Esta versión es la que
suena en la película Shrek, aunque para la grabación de la banda sonora se
utilizó la versión de Rufus Wainwright ya que la discográfica de John Cale no
lo permitió.
La versión más exitosa fue la de Jeff Buckley en 1994. La letra está basada en la de John Cale. La
instrumentación es muy sencilla ya que únicamente oímos la voz y un acompañamiento
de guitarra eléctrica con sonido semiacústico. Esta versión fue tan popular que
se incluyó en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según
la revista Rolling Stone, situándose incluso por delante de la versión original
de Cohen.
Rufus Wainwright versionó la canción en 1997 en homenaje a
Jeff Buckley fallecido ese año. Como ya he dicho, es la que aparece en la
grabación de la banda sonora de Shrek aunque en la película suena la de John
Cale.
La versión de Enrique Morente (cantante de flamenco) y Lagartija Nick (grupo de rock alternativo de Granada) es algo
diferente. La letra está en español y es totalmente distinta, no es una
traducción de la original. Lo único que conserva "igual" es el estribillo. Fue incluida
en el disco “Omega” de 1996.
El quinteto norteamericano Pentatonix también tiene su
versión a capella.
El primer cover de la canción en un concierto lo hizo Bob
Dylan en Montreal en 1988. También suele cantarla en directo Bon Jovi.
Otra versión muy conocida es la de Alexandra Burke. La
cantante británica se dio a conocer tras ganar Factor X en 2008. Su victoria le daba
derecho a lanzar un single que fue esta versión de Hallelujah.
“Hotel California” es el exitoso tema que convirtió a los
Eagles en estrellas del rock. Fue lanzado como single en febrero de 1977, con
Don Henley como voz principal y concluyendo con un solo de guitarra de Don
Fedler y Joe Wash (al igual que en la introducción).
Su letra ha suscitado multitud de interpretaciones, algunas
bastante inquietantes. Hay quienes creen que se trata de una invitación al
satanismo.
Don Henley dio una pista del significado de esta canción
diciendo que hacía referencia a los excesos del sueño americano y al tránsito
de la inocencia a la experiencia. Por su parte, Glenn Frey dijo que hablaba en
parte sobre el exceso de cocaína. La interpretación que relaciona la letra con
exceso de drogas es la que en mi opinión, tiene más sentido.
A continuación analizaré algunas frases de la letra
mostrando el significado que tendrían para estas 2 interpretaciones: satanismo
o drogadicción. La verdad es que los argumentos de ambas encajan bastante bien
con esta letra tan ambigua.
La canción cuenta la historia de un hombre que llega a un
hotel, el Hotel California. Aquí encontramos la primera referencia al satanismo
ya que podría referirse a la dirección en la que se encuentra la Iglesia
Satánica: avenida de California (San Francisco).
Allí es recibido por una mujer que podría ser una
sacerdotisa que le invita a iniciarse en el satanismo o, mirándolo desde la otra
perspectiva, podría hacer referencia a la cocaína.
Esta estrofa termina con “And I was thinking to myself: this
could be heaven or this could be hell” (Y pensaba: esto podría ser el cielo o
el infierno). De nuevo esta frase se puede interpretar de las dos maneras: el
cielo se refiere a la voluntad de entrar en el satanismo o de consumir drogas y
el infierno a la dificultad de salir de ambas.
A continuación la mujer le lleva dentro del Hotel y comienza
el estribillo en el que unas voces le dan la bienvenida.
“Welcome to the Hotel California, such a lovely place, such
a lovely face. Plenty of room at the Hotel California. Any time of year you can
find it hear” (Bienvenido al Hotel California, qué bonito lugar, qué bonita
fachada. Muchas habitaciones en el Hotel California. En cualquier época del año
puedes encontrarlo aquí).
El inicio de la siguiente estrofa muestra los excesos del
sueño americano, de lo material: “Her mind is Tiffany twisted, she’s got the
Mercedes Benz. She’s got a lot of pretty pretty boys that she calls friends”.
La última frase dice “some dance to remember, some dance to
forget” (algunos bailan para recordar, algunos bailan para olvidar). Aquí
podría equipararse el acto de bailar con el acto de drogarse.
A continuación tenemos una de las frases que más relación
tiene con el satanismo.
“So I called up the captain: Please bring me my wine”
(Entonces llamé al capitán: por favor tráigame mi vino). El vino hace
referencia a Jesucristo.
“He said: whe haven’t had that spirit here since 1969” (Él
dijo: No hemos tenido esa bebida aquí desde 1969). El año 1969 fue en el que se
fundó la Iglesia Satánica.
Después vuelve a mencionar a las voces que le despiertan
cada noche para que escuche lo que dice el estribillo.
A continuación, todas las personas del hotel se reúnen para
una fiesta (ritual satánico para los que se decantan por esta interpretación).
Y la mujer de la que hablamos al principio dice “We are all just prisoners here
of our own device” (Todos estamos prisioneros aquí por nuestra propia
voluntad). De nuevo puede referirse a los miembros de una secta satánica o a
los que han caído en la drogadicción.
“They stab it with their steely knives but they just can’t
kill the beast” (Lo apuñalaban con sus cuchillos de acero pero no pudieron
matar a la bestia). Esto se refiere a que la fiesta podría ser un ritual de
sacrificio o interpretarse como la imposibilidad de salir de la secta o de la
droga.
Finalmente el hombre intenta huír pero el portero le dice
“You can check out any time you like, but you can never leave” (Podrás cancelar
tu reserva las veces que quieras pero nunca te podrás marchar). Y de nuevo
tenemos la imposibilidad de salir de la secta o de la droga.
Evidentemente la interpretación que relaciona esta canción
con el satanismo no es más que una teoría. En esta época se dieron muchos casos
de interpretaciones que relacionaban el rock con el satanismo debido a que era
una música que muchas personas consideraban inmoral. Se puso de moda una
técnica de audio llamada backmasking, que consistía en escuchar los audios al
revés, y se utilizó para investigar muchas letras que aseguraban que contenían
mensajes ocultos relacionados con el satanismo. Así ocurrió por ejemplo con uno
de los temas más conocidos de la historia del rock, Stairway to Heaven, de Led
Zeppelin. Fueron muchos los grupos “perseguidos” por quienes les consideraban
satánicos y como ésta hay muchas historias que, aunque no sean más que
especulaciones, son bastante curiosas.
Todo lo que encuentro por casualidad en lo que a música se refiere me acaba gustando, pero esta vez el descubrimiento no ha sido un grupo de rock/metal como Halestorm sino un musical, aunque algo de rock tiene como su propio nombre indica: Mozart, l'opéra rock.
Y este nuevo Mozart y yo nos encontramos en youtube hace unas semanas mientras buscaba una versión rock del Réquiem que había escuchado hace tiempo. Finalmente no la encontré, aunque este nuevo descubrimiento compensó la pérdida.
Se trata de un musical francés que se estuvo representando en Francia, Suiza y Bélgica entre 2009 y 2011. Con un estilo gótico y dividido en 2 actos, el espectáculo alterna temas pop-rock con clásicos de Mozart.
La obra arranca con el ascenso de Hieronymous von Colloredo a príncipe-arzobispo de Salzburgo y la vuelta de Mozart (Mikelangelo Loconte) a esta ciudad tras sus años de viajes a las capitales europeas para formarse musicalmente. El nuevo príncipe-arzobispo era autoritario e insensible a la música de Mozart, quien estaba cada vez más descontento con su situación y decide marcharse a buscar una vida mejor en cualquier otra ciudad europea. Pero su camino estuvo lleno de fracasos: ninguna corte le contrataba, sufre su primera decepción amorosa con Aloysia Weber (Melissa Mars) y pierde a su madre en París (ciudad que le rechaza y le humilla). El acto acaba con la canción "Je dors sur des roses", en la que Mozart expresa su melancolía.
El segundo acto comienza de nuevo con la vuelta de Mozart a Salzburgo al enterarse de la muerte de la emperatriz de Austria. Debe acompañar a Colloredo a Viena para la coronación del nuevo emperador. Viena, capital europea de la música, se convierte en el destino definitivo de Mozart donde conocerá el amor, la rivalidad, sobre todo con Salieri (Florent Mothe), y el éxito.
Dentro de este acto se encuentra mi canción favorita, "L'assasymphonie" en la que Salieri expresa su desesperación y envidia a Mozart. Esta canción fue premiada en los NRJ Music Awards 2010 como la mejor canción francesa.
Finalmente , Mozart morirá en la mayor pobreza dejando una de sus mejores obras inacabada, el Réquiem.
Las críticas fueron muy variadas. Diarios como le Figaro o France-Soir, hablaban de "un libreto sin consistencia" y "un Mozart exagerado". Por el contrario, la revista "Premiére" afirma que el espectáculo fue todo un éxito, apreciando influencias musicales de grandes grupos como Queen, The Sparks, Muse y Placebo.
Además de los vídeos y enlaces anteriores, os dejo el enlace a una lista de reproducción con todas las canciones del musical.
Hoy voy a hablaros de un grupo de hard rock y heavy metal
que descubrí hace relativamente poco y me gusta mucho.
Os presento a:
Esta banda originaria de Red Lion, Pensilvania fue formada en 1998 por los hermanos Elizabeth,más conocida como Lzzy Hale (voz, guitarra y piano) y Arejay Hale (batería y voz secundaria), de ahí el nombre.Ambos llevaban interpretando sus propias canciones desde que tenían 10 y 13 años. En el 2000 lanzaron su primer EP (extended play), un formato de grabación de una duración intermedia entre el sencillo y el álbum, titulado "Don`t Mess With The Time Man".
Los otros 2 componentes de la banda son Joe Hottinger (guitarra y voz secundaria) y Josh Smith (bajo y voz secundaria), pero hasta que se unieron fue el padre de los hermanos quien tocaba el bajo.
El grupo firmó un contrato en 2005 con Atlantic Records y desde entonces su fama ha sido creciente. Halestorm es conocido por sus grandes giras de hasta 250 conciertos cada año, muchas veces acompañados de otros grupos de su mismo género como Evanescence, Avenged Sevenfold, Papa Roach, Heaven & Hell etc.
En 2013, actuaron en Madrid y Barcelona como teloneros de Alter Bridge. Fue un año de gran éxito tras la obtención del premio Grammy a la mejor interpretación de hard rock/metal por "Love Bites (So Do I)". Esta canción es musicalmente más "agresiva" que sus precedentes.
Yo descubrí a Halestorm gracias a la serie Glee. En un capítulo de la 3º temporada, Rachel Berry (interpretada por Lea Michele) canta "Here's to us", uno de mis temas favoritos tanto de la serie como del grupo.
La semana pasada, del 9 al 12 de marzo, pudimos disfrutar del talento de Sasha Waltz & Guests en el Teatro Real con su último trabajo: Sacre.
Sasha Waltz, fundadora de la compañía, es una de las figuras más relevantes de la danza contemporánea en Europa. Nació en Karlsruhe (Alemania) y estudió danza y coreografía en Ámsterdam y Nueva York. En 1993, fundó en Berlín la compañía Sasha Waltz & Guests junto con el empresario cultural Jochen Sandig, y ese mismo año estrenó su primera coreografía sobre la ópera “Dido y Eneas” de Purcell.
La coreógrafa está especialmente interesada en los mitos arcaicos y rituales que muestran la naturaleza que queda en un mundo de tecnología. Con esta obra, Sasha ha querido rendirles homenaje.
El ballet “La Consagración de la Primavera” (música de Igor Stravinsky y coreografía de Valsav Nijinsky) se estrenó en París en 1913. El productor, Serguéi Diaghilev, había encargado a Stravinsky un ballet que representase las tradiciones ancestrales de Rusia, su tierra natal. La obra describe un ritual pagano con un estilo que sorprendió a todos y marcó un antes y un después en la historia de la música: el paso de lo clásico a lo contemporáneo. El argumento se basa en la historia de una joven de la tribu que debe bailar hasta que la sacrifican para celebrar la llegada de la primavera.
La obra se divide en 2 actos:
1. Adoración de la primavera
- Introducción
- Augurios Primaverales. Danza de las adolescentes
- Juego del rapto
- Rondas primaverales
- Juego de las tribus rivales
- Cortejo del sabio
- El sabio. Danza de la Tierra
2. El sacrificio
- Introducción
- Círculos misteriosos de las adolescentes
- Glorificación de la elegida
- Evocación de los antepasados
- Acción ritual de los antepasados
- Danza sagrada. La elegida
Esta obra pertenece a un movimiento artístico de los muchos que surgieron a principios del siglo XX, el primitivismo, que pretende rescatar las tradiciones más antiguas con un lenguaje moderno. Podríamos decir que es una mezcla entre el nacionalismo (rescatar la tradición local) y el modernismo (ausencia de tonalidad, giros armónicos sin resolver, ruptura con la tradición, y novedades tímbricas y rítmicas).
Su estreno fue un rotundo fracaso. El público comenzó a abuchear cuando la obra aún no había terminado. En cuanto a los críticos musicales de la época, estaban divididos entre los modernistas franceses, que quedaron fascinados, y los románticos y post-románticos, que lo consideraban una sucesión incomprensible de ruidos.
Hoy en día, es considerada una verdadera obra de arte que la semana pasada ocupó la segunda parte de un gran espectáculo representado en Madrid. En la primera parte pudimos disfrutar de "Preludio a la siesta de un fauno" (Debussy), "Syrinx" (Debussy) y "Scène d'amour" de Romeo y Julieta (Berlioz) de la mano de la misma compañía y la orquesta titular del Teatro Real dirigida por Titus Engel.
¿Qué mejor día que este para dar paso a la música para el cine? El pasado domingo 28 de febrero, se llevó el Oscar a la mejor banda sonora uno de los grandes compositores de este género, Ennio Morricone.
El compositor italiano ha tenido que esperar 87 años. Tras componer grandes bandas sonoras como La Misión, Cinema Paradiso (ambas catalogadas como obras maestras) y la Trilogía del Dólar, entre otras, ha recibido su primer Oscar por su trabajo para Los Odiosos Ocho, de Quentin Tarantino.
Ennio Morricone debutó como compositor para el cine con la música de Il Federale, de Luciano Salcio a quien conoció durante su trabajo en la televisión pública italiana (RAI). Desde entonces se dedicó fundamentalmente a este género. Ha compuesto para más de 300 películas, destacando las antes mencionadas.
La Misión.
La película, dirigida por el británico Roland Joffé, está ambientada en la Hispanoamérica del siglo XVIII. El padre Gabriel, un misionero jesuita llega a la jungla tropical donde habitan los indios guaraníes, dispuesto a evangelizarlos. Éste se gana su confianza gracias a la música de su oboe, tema principal de la banda sonora.
Morricone compuso para esta película música muy variada: litúrgica y post-renacentista de los misioneros jesuitas y étnica de los indígenas guaraníes. A veces fusiona ambos estilos en cantos corales.
La Mision tuvo 7 nominaciones a los Oscar, entre ellos por la banda sonora, aunque solo consiguió el premio a la mejor fotografía. Que Morricone saliera de aquella gala con las manos vacías fue considerado una verdadera injusticia, además para él mismo, fue su mejor trabajo. Se podría considerar la banda sonora más importante de los años 80.
Cinema Paradiso.
La película, dirigida por el italiano Giuseppe Tornatore, está ambientada en la Italia de la posguerra en los 40. Cuenta la historia de la amistad entre Totò, un niño huérfano de un pueblo de Sicilia y Alfredo, el proyeccionista del cine. Aborda temas como el amor, el paso del tiempo, la identidad, la muerte y la memoria. Alfredo, se convierte en el mentor de Totò durante su infancia y juventud tanto del oficio de proyeccionista como de la vida y el amor, hasta que el niño crece y se convierte en director de cine (pero con el nombre de Salvatore). Una historia muy conmovedora donde la música juega un papel esencial para emocionar a los espectadores, dando el tono nostálgico característico de la película.
Con una sencilla orquestación de piano y cuerdas con puntuales entradas de instrumentos de viento, Morricone compuso esta preciosa banda sonora que a más de uno ha hecho que se le salten las lágrimas. ¿Quién no se ha emocionado con “la escena de los besos”? En esa parte suena el “Tema de amor", uno de los más importantes y desde mi punto de vista más bonito. Se llama así porque en un principio, “ilustra” la relación entre Totò y una joven que llega al pueblo.
Aquí podéis ver la famosa escena de los besos: El hombre que aparece es Salvatore. Alfredo había juntado todas las escenas censuradas de las películas que proyectaba. Y aquí os dejo una lista de reproducción con todos los temas que componen la banda sonora.
Cinema Paradiso tuvo un gran éxito, aunque en esta ocasión, Ennio Morricone tampoco se hizo con el Oscar.
El compositor italiano siempre lo ha tenido difícil en Estados Unidos. En 2007 se llevó el Oscar honorífico por su larga carrera. Siendo uno de los más grandes compositores de bandas sonoras, pocas veces ha sido nominado por la Academia de Hollywood y hasta hace unos días siempre se fue con las manos vacías. Todo apunta a que el motivo sea su vinculación con el antiguo partido comunista italiano. Una verdadera injusticia. Al menos no se ha vuelto a repetir este año, que gracias a la banda sonora de Los Odiosos Ocho, Ennio Morricone se ha llevado su merecidísimo y aún así escaso reconocimiento.
